“Cuando era chico, la radio era lo único que teníamos. Mientras me vestía, mientras desayunaba, la radio siempre estaba ahí”, contó Allen, de 76 años y con una trayectoria de más de 40 películas, entre ellas clásicos como “Annie Hall”, “Manhattan” y “The purple rose of Cairo”. Junto a Cavett, su contemporáneo de 75 años, el cineasta recordó el “castigo” que imponían los padres a sus hijos durante su infancia, consistente en “la brutal privación” de “no escuchar radio por una semana”, y también el placer de engañar a sus padres con tal de disfrutar de su pasatiempo favorito. “¿Había algo más maravilloso que hacerse el enfermo y quedarse en la cama escuchando la radio 12 horas seguidas?”, preguntó, con la mirada puesta en su infancia.

Sin embargo, y pese a este amor incondicional, Allen admitió la “inocencia” de una época en la que se pensaba que la radio iba significar “el final de todas las guerras” porque unía a la gente, e incluso no le tembló el pulso para criticar muchos de los programas que, antes, le parecían grandiosos. “Cuando ahora escuchó esos viejos programas, algunos de ellos son basura. Dios mío, ¿cómo pude haber estado encantado con esto?”, confesó, provocando uno de los tantos ataques de risas del público durante esta velada en homenaje a Himan Brown, uno de los pioneros de la radio en vivo en Estados Unidos.

Vestido con su habitual simpleza (un jersey color crema y pantalones marrón), Allen habló también de su pasión por la magia, presente en varios de sus filmes como “Scoop” (2006), y el aprendizaje de este arte, que en su caso, calificó de “colosal pérdida de tiempo”. “Los trucos de magia son una rara, extraña y pequeña pasión. Supuestamente me harían popular en las fiestas. Pero nunca hice nada delante de nadie. ¡Eramos el espejo y yo!”, contó, al referirse a las horas y horas de práctica en vano.

Ya en el mundo del cine, y al responder algunas preguntas del público, Allen señaló que empezó a escribir papeles especialmente para mujeres, influenciado por la actriz Diane Keaton, con quien tuvo un romance de cinco años en la década de 1970. “Empecé la relación con Diane Keaton y estaba muy impresionado con ella. Me dije Puedo escribir para ella, puedo escribir para mujeres”, afirmó, agregando que ahora era “mejor mujer que hombre”, levantando otra vez carcajadas en el auditorio. Las risas no se habían acallado cuando volvió a mostrar su genio, esta vez al hablar de su madre: “Vio todas mis películas. Las disfrutaba sin entenderlas”, dijo.

(Agencias de noticias)

¿Cómo se lleva con la tecnología y las redes sociales Twitter, Facebook..?
Twitter, no tengo ni idea de lo que es Twitter. Pero Facebook lo conozco, porque vi la película y me gustó la película. Así que sé qué es Facebook. Y tengo una página web, que no he visto en mi vida y no tengo ni idea de cómo funciona o cuál es su objetivo, pero unas personas lo hicieron para mí. Tengo un teléfono, un teléfono móvil, pero lo único que puedo hacer es llamar y recibir llamadas. No lo uso para otra cosa. No tengo, ¿cómo lo llaman, mensajes de texto? ¿Ha visto las personas mayores que tapan muchos de los botones del televisor con cinta adhesiva para no equivocarse? ¿Para no apretar esos botones? ¿Así sólo pueden encenderlo y apagarlo? Yo soy exactamente así, siempre que haya sólo dos botones que apretar, puedo hacerlo.

Como ex guionista de televisión, ¿qué piensa sobre de la televisión en estos días, de los reality shows?
Nunca he visto nada de eso. Veo los nombres en los periódicos y cosas, pero ni siquiera sé qué es. Veo televisión, pero no eso. Veo deportes casi exclusivamente.

¿Han cambiado sus pensamientos sobre la mortalidad recientemente?
No, ya estaba en contra de ella cuando tenía cinco años y fui consciente por primera vez de ella. He seguido en contra. Estamos programados por naturaleza a resistirnos a morir, a autopreservarnos, a tener cuidado de nosotros mismos, a luchar por nuestras vidas, así que no soy diferente a nadie en ese sentido. Puedo diferir en este sentido, puedo pertenecer a ese grupo de personas que lo tiene en la conciencia más frecuentemente. Pero no hay nada que podamos hacer al respecto, pero probablemente sufrimos más, porque no somos capaces de ignorarlo tan fácilmente. Todo el mundo está dotado con un mecanismo de rechazo, el mío es defectuoso.

¿Por qué es tan respetado en Europa, es usted demasiado para la mentalidad del americano medio?
Creo que gano algo en la traducción (…) Hago una película y en toda Europa, en todo el mundo, les encanta, porque posiblemente no están viendo mis errores. Estados Unidos es un país muy religioso, pero para mí es su problema. Yo no lo suscribo. No soy religioso o puritano. En ese sentido soy ligeramente más europeo, pero eso es algo más fácil de encontrar en Nueva York, creo, que en el resto del país. Nueva York es lo más cercano que tenemos a un a ciudad europea.

¿Cree que Estados Unidos está preparado para perdonarle por sus pasados escándalos?
¿Cuál fue el escándalo? Me enamoré de esta chica, me casé con ella. Llevamos casados 15 años ya. No hubo escándalo, pero la gente se refiere a ello todo el tiempo como un escándalo y en cierta forma me gusta, porque cuando me vaya me gustaría decir que tuve un verdadero escándalo jugoso en mi vida.

¿Echa de menos rodar en Central Park en otoño?
No, adoro Nueva York. Y estoy seguro de que volveré y trabajaré aquí. Las únicas dos cosas que me han mantenido alejado es cuando un lugar extranjero ha puesto el dinero e insistido en que trabaje allí o cuándo no me podía permitir trabajar aquí.

¿Su próxima película “Nero fiddled”, rodada en Italia, está inspirada en Fellini?
No ¿Por qué Fellini? … ¿Por qué no Antonioni? No, no está inspirada en nadie. Es sólo una comedia, no una come ia romántica, sino una comedia total.

Por Christine Kearney (traducción Blanca Rodríguez)

“No hay nada realmente redentor de la tragedia. La tragedia es trágica, y es tan doloroso que la gente trata de darle la vuelta y decir ‘es terriblemente difícil, pero hemos aprendido algo’. Este es un débil intento de encontrar algún tipo de consuelo en la tragedia. Pero no tiene sentido. Y el sufrimiento no redime nada, no hay ningún mensaje positivo para sacar de todo ello”, dijo el afamado director en una entrevista dada a Helene Zuber en el diario alemán Spiegel.

“No encuentro temas políticos o eventos de actualidad del mundo lo suficientemente profundos como para que me interesen como artista. Como cineasta, no estoy interesado en esa fecha. Si nos fijamos en el panorama general, la visión a largo plazo de las cosas es demasiado pequeña; la historia lo abruma. La historia del mundo es así: él me mata, yo lo mato. Con maquillajes diferentes y castings distintos. Cuestiones políticas, aunque se remonten miles de años son efímeras, no importantes”, cuenta el cineasta.

A raíz de su exploración por los sentimientos humanos como ha hecho en muchos otras de sus éxitos fílmicos, Woody Allen trata así de reflejar la esencia humana. “Los mismos sentimientos y problemas que persistirán 5.000 años a partir de ahora. Al igual que las tragedias griegas que todavía nos tocan hoy, que todavía funcionan.”

Detrás de esta argumentación se puede encontrar el sentido de que Woody Allen, conocido por su amor a Nueva York, no haya querido plasmar su impresión sobre los ataques salvo con una aparición especial en 2002 en los premios Oscar -a los que nunca había asistido y a los que casi seguramente no vuelva a concurrir- y la realización de un cortometraje en tono de comedia el mismo año del suceso titulado “Sounds from a town I love”:

Camisa blanca a rayas celestes, su clásico sombrerito y el inseparable clarinete: estándares y algunos inéditos. Lo acompañaron el lider de la New Orleans Jazz Band, Eddy Davis y el pianista Conal Fowkes. Pronto se supo que la cita será semanal. Para el cineasta, el descanso consiste precisamente en tocar allí, con lo cual se distrae un poco del cotidiano trajín de filmar “The  Bop Decameron”, que protagonizan Jesse Eisenberg, Ellen Page, Alec Baldwin, Roberto Benigni, Greta Gerwig, Penélope Cruz, Judy Davis, Ornella Muti y el mismo Allen.

¿Cómo surgió eso de tocar en este lugar? “Vine a saludar a unos amigos que se hospedan aquí, y me enamoré de esta terraza”, explicó a los medios italianos. Muchos creyeron que le había echado el ojo como locación para alguna de las escenas de su rodaje, porque la vista de Roma que ofrece el Bernini es impagable. Pero no: era para venir a relajarse tocando jazz.

Por las mañanas se lo ve por las calles del centro buscando lugares interesantes para ambientar escenas de su nueva comedia, y además rastrea personajes romanos. Esta semana encontró uno, al que le dará varias escenas en el film: el vigilante de tránsito Pierluigi Marchionne.

Cada mediodía, Woody ejercita su oficio de gourmand, y quienes siguen sus pasos aseguran que ha probado los más diversos estilos en cocina romana. Sin embargo, hace unos días, un poco saturado del infaltable primo piatto de pasta y de las frecuentes pizzas (que a veces invaden el set, a través de la empresa de catering del rodaje), cambió de target y fue a comer a Green T., el restaurante étnico más de moda en la ciudad, donde pidió muchos platos distintos en porciones pequeñas, cosa de poder probar diversidad de sabores de la comida china que, al parecer, le encanta.

La “temporada” del Allen Trío en el hotel Bernini pinta exitosa. En la noche del debut, se hicieron presentes unos sesenta o setenta notables del circuito artístico local, incluida la bella Alessandra Mastronardi -otra de las protagonistas de “The Bop Decameron”- y varios conductores de la TV local.

Interrogado sobre la receta para hacer un buen filme, Woody Allen respondió sin titubear: “Para hacer un buen filme sirve contratar buenas actrices y actores y dejarlos libres de actuar, inclusive de improvisar”, dijo. Allen, quien comienza en julio a rodar su nuevo filme, una suerte de canto a la Ciudad Eterna que se inspira en los cuentos de El Decameron de Giovanni Bocaccio escritos en el siglo XIV y que marcaron el nacimiento de la narrativa italiana, confesó que la clave de sus películas está en la historia que cuentan. “Cada uno nace con un talento. Yo tengo la capacidad de contar historias, nunca me ha faltado eso. Es más, mi problema es que temo morir antes de haber podido contarlas todas”, aseguró.

“Me gustan los personajes a la Tennessee Williams, creíbles, claro, pero con algo un poco exagerado. Porque son los personajes los que cargan el peso del filme, cuentan más que una construcción perfecta”, comentó. “El momento difícil es cuando esperas que te llegue una idea, piensas, y piensas, pero el momento fundamental es cuando hay que desarrollarla”, confesó, invitando a los futuros cineastas a “escribir y escribir, mucho, aún si te parecen asquerosidades”, subrayó. “Vayan al cine, olviden las críticas y las enseñanzas (…) Saquen adelante las propias ideas. Después de algunos años las cosas llegan solas y sabrán si tienen talento o no”, agregó.

El título del espectáculo será “Relatively speaking” y según declaró el cineasta a The New York Times es una comedia, “buscamos las risas, no la redención de los valores sociales”. Mientras que la pieza de Woody Allen se llama “Honeymoon Hotel”, la de Ethan Coen llevará por título “Talking cure” y la de Elaine May se llamará “George is dead”. Los tres autores tienen ya experiencia en el distrito teatral neoyorquino.

Allen ya colaboró con May y David Mamet en otra ocasión, con una obra estructurada de la misma forma titulada “Death defyinig acts” que se mantuvo en cartel casi durante un año. El estreno de estas tres obras por el precio de una está previsto para octubre de este año, aunque las primeras funciones tendrán lugar en septiembre. La producción de la misma estará a cargo de Julian Schlossberg y la hermana de Allen, Letty Aronson. La dirección correrá por cuenta del actor John Tuturro, en su debut en esta función en los escenarios.

Está presentando su último largometraje “Midnight in Paris” en el Festival de Cannes, una visión romántica y nostálgica de esa ciudad de la luz donde Allen visita cara a cara a algunos de los ídolos de aquella edad dorada que fueron los años veinte para preguntarse si el pasado fue mejor. Esta vez su musa es Marion Cotillard; su álter ego, Owen Wilson y su Manhattan, París.

¿Cómo nace “Midnight in Paris”?
Acepté hacer una película en Francia sin tener una idea. Sabía que sería una película romántica porque París es una ciudad romántica. Y tenía el título, “Midnight in Paris”. Pero no sabía lo que iba a pasar hasta que imaginé un coche que, a medianoche, invitaba al protagonista a meterse en esta aventura.

Una aventura que pueblan personajes como Ernest Hemingway, F. Scott Fitzgerald, Salvador Dalí, Gertrude Stein o Luis Buñuel. ¿Con quién de ellos le gustaría hablar si fuera posible?
Yo nunca me metería en un coche con extraños por miedo a acabar en un sótano en Darfur. No soy nada aventurero. Tampoco me gusta conocer a mis ídolos. No conocí a Louis Armstrong aunque tuve oportunidades. Prefiero dejar a mis ídolos en un pedestal. Conocí a Groucho Marx, alguien a quien idolatraba, y acabó siendo uno de esos tíos chistosos que hay en cualquier familia. No me gustaría hablar con Hemingway, un tipo bastante irritante por lo que he leído. Ni con Picasso, también difícil. Probablemente disfrutaría con Luis Buñuel, de todos ellos el más cuerdo e imaginativo.

Este año se celebra el 50º aniversario de la Palma de Oro de “Viridiana”…
Buñuel está en un lugar bien alto en el panteón de los grandes genios del cine. Hay pocos como él, reconocido por todos como un gran innovador. Kurosawa, Bergman, Fellini y Buñuel. Una de esas pocas estrellas que hizo arte del cine.

Por maravilloso que sea París, ¿echa de menos su adorado Nueva York?
Por lo general voy donde me financian la película. ¿Quieres rodar en Barcelona? ¿París? Ahora Roma. Me lo hacen muy fácil porque la ciudad quiere que ruede allí, así que la cooperación es extrema. Estaría muy bien rodar en Nueva York, pero es muy caro. Al menos para un presupuesto limitado como el mío.

Ya sé que lo suyo no es la nostalgia…
Siempre decimos que lo pasado fue mejor, que nos gustaría vivir en otra época, pero solo pensamos en el lado bohemio, no en lo que sería ir al dentista sin novocaína.

¿Pero alguna vez mira al cine de los setenta como ese momento irrepetible de su carrera?
En Estados Unidos el cine de los setenta fue mucho más interesante. Los estudios, aunque eran unos filisteos dentro de su avaricia, hacían un par de películas con calidad. Por su propio ego. Y se contentaban con un menor margen de beneficios. Ahora cualquier cosa por debajo de los 70 millones de dólares es un fracaso. Yo además tuve mucha suerte porque con United Artists fue como trabajar con una beca. Respaldaban mis películas sin leer el guión ni hacer preguntas. Siempre tuve la última palabra. En la actualidad muchos de los realizadores de entonces no tendrían esa posibilidad.

¿Y con sus hijos? ¿Tiene más suerte con lo que les apetece ver?
Soy un completo fracaso. No hay quien se enfrente a la presión que sufren entre sus compañeros. Me paso el día hablándoles de las maravillas de Cole Porter o Charlie Parker y no me quieren ni escuchar. Para ellos solo existen Justin Bieber y Lady Gaga. Me desprecian. Dicen que soy una antigualla, una vergüenza y que estoy en las últimas…

¿Pensará eso un público como el actual, poco conocedor de los Hemingway, Buñuel o Fitzgerald de antaño?
Siempre he contado con una audiencia limitada. No soy un intelectual ni he ido a la universidad, pero siempre he pensado que el público sabe tanto como yo. Si no sabes quiénes son los que salen en la cinta, no pasa nada. Pero me niego a hacer un cine dirigido a lo más bajo, lleno de persecuciones y humor de cloaca. Mi público será limitado pero así ha sido siempre.

Por Rocío Ayuso

Allen se ha considerado “muy afortunado” por el hecho de contar con días de lluvia durante el rodaje del filme (que no participa en la competición oficial en Cannes) y ha admitido que la visión de la capital que ofrece es la que se tiene en Estados Unidos. “París es una ciudad muy excitante”, ha continuado Allen, quien ha comparado en varios momentos esta ciudad y la suya, Nueva York, con alusiones a la influencia del cine y la literatura franceses tanto en su vida como en su obra.

“Es París como yo lo siento”, se ha excusado el director, que en esta película narra la historia de una pareja de visita en París y cómo el protagonista (interpretado por Owen Wilson) se siente embrujado por la magia de la ciudad. Allen ha bromeado con las razones por las cuales no cambiaría la época actual por la de los felices 20 del pasado siglo u otras anteriores: “el aire acondicionado”, por ejemplo, o los medicamentos que hacen soportable la visita al dentista.

“No me gustaría volver a ningún otro tiempo pasado diferente del actual”, ha revelado Allen, quien ha considerado un error pensar en que cualquier tiempo pasado fue mejor. La cinta del cineasta norteamericano está llena de referencias a un pasado glorioso de la literatura y el arte que se dieron cita en la capital francesa en el paso del siglo XIX al XX y en las primeras décadas de este.

Proyectada en el Gran Teatro Lumiére de Cannes antes de su estreno en España (se estrena allí este viernes) o Estados Unidos (el 20 de este mes), “Midnight in Paris” narra la historia de Gil (Wilson), un escritor y guionista estadounidense que sueña con terminar su primera novela en París, donde cree que podrá encontrar la inspiración que no halla en su California natal ni con su futura esposa, una joven frívola y conservadora Inez (Rachel McAdams).

Mientras que de día acompaña a su novia y a sus padres a aburridas reuniones sociales, a recorrer locales de decoración o museos, por las noches Gil se deja llevar y deambula solo y sin rumbo por las calles de París, hasta que una medianoche, cuando las campanadas de una iglesia marcan la hora, aparece un automóvil antiguo que se detiene a su paso.

Desde su interior, unos personajes llegados de otra época lo invitan a subir, le ofrecen champaña y lo llevan hasta una fiesta donde, sin poder dar crédito a lo que ve y creyendo que le están tomando el pelo, observa cómo charlan, cantan, beben y se divierten artistas que no están en este mundo desde hace varios años como Scott Fitzgerald, Cole Porter y Jean Cocteau.

Salvador Dalí (interpretado por Adrien Brody), Pablo Picasso, Ernest Hemingway, Gertrude Stein (la actriz Kathy Bates) y Luis Buñuel son algunos de los personajes que Allen hace pasar por las calles de un París mágico por el que se pasea el protagonista. En sus noches por la ciudad, Gil, que escapa de su futura esposa y de sus amigos -entre ellos el insoportable intelectual que interpreta Michael Sheen-, se enamora de una discípula de Coco Chanel llamada Adriana (Marion Cotillard), quien además resulta ser la amante de Picasso…

El realizador neoyorquino como ya dijimos, parece no quedarse instalado en la nostalgia: “Sabes que es una trampa pensar que vivir en otro tiempo sería mejor”, dijo Allen a la prensa. “Todo el mundo quiere huir de los tiempos presentes porque la vida resulta muy dura a veces, entonces cuando piensas en el pasado y te acuerdas de las cosas bonitas… Sin embargo yo no volvería a ninguna otra época que no fuera la actual”.

Sobre el cine francés y la ciudad luz dijo: “De niño conocí París a través de las películas francesas -mis amigos y yo veíamos mucho cine europeo y asiático, como Buñuel o Kurosawa, pero sobre todo francés-, como supongo que la gente conoce Nueva York gracias al cine. Me impactaron creadores como Jean Renoir o René Clair. Hicieron filmes que eran arte, no como en EE UU, que se rueda para ganar dinero. En Francia el cine es arte, y no un negocio”.

El documental, titulado “American masters: Woody Allen A documentary”, se estrenaría durante el segundo semestre en Estados Unidos y Europa y confirma la fama de Allen de ser crítico de sus películas, al punto de decir que ninguna de ellas pasará la prueba del tiempo. El documental cuenta incluso la anécdota de cómo el director intentó por varios medios evitar la exhibición de “Manhattan”, que ha sido considerada una de las mejores películas de su carrera.

“No me gustó para nada la película. Hablé con (la distribuidora) United Artists en ese momento y les ofrecí hacer una película a cambio de nada, si no sacaban la película”, afirma Allen. “He contribuido con mi cuota de películas mediocres y malas, como todo el resto”, dice Allen en la película. “He trabajado en la teoría de la cantidad. Si continúo haciendo películas, de vez en cuando seré afortunado y una saldrá OK. Y eso es exactamente lo que sucede”, agrega el director.

En el documental de tres horas que se emitirá en dos partes aparecen desde allegados al realizador que trabajan o trabajaron con él como Jack Rollins, Charles H. Joffe o su hermana Letty Aronson, pasando por actores como Diane Keaton, Louise Lasser, Tony Roberts, Scarlett Johansson, hasta guionistas y realizadores como Marshall Brickman, Douglas McGrath o Martin Scorsese. Durante el documental se podrá observar a Allen en su sala de edición; asistiendo al Festival de Cannes o en Brooklyn, barrio de su niñez en New York.

El listado de clásicos seleccionado por Woody Allen incluye obras de conocidas debilidades del neoyorquino, como Ingmar Bergman o Federico Fellini. Del primero se proyectará “Det sjunde inseglet”, y “Smulstronstallet”, y del segundo “Amarcord” y “8 ½”. La programación incluye tres obras del aragonés Luis Buñuel: “El ángel exterminador” y la desgarradora “Los olvidados”, de su etapa mexicana, y “Le charme discret de la bourgeoisie”.

El Niemeyer propondrá así a reputados cineastas y otros destacados profesionales del medio que realicen una selección de sus películas imprescindibles, aquellas que marcaron sus vidas, aquellas por las que merece la pena volver al cine. Las películas se presentarán en versión original subtitulada e irán precedidas por una breve grabación en la que el presentador introducirá la película.

Además, el ciclo de Allen incluye otros clásicos del cine esenciales como “Ladri di biciclette” de Vittorio de Sica, “The treasure of Sierra Madre”, de John Huston o “Citizen Kane” de Orson Welles, entre otros. El cine del Centro Niemeyer echará a andar así con un repaso a una muestra de obras maestras de la cinematografía mundial a las que en un futuro se sumarán otros ciclos y proyecciones.

El jefe de Producción del Niemeyer y responsable del Film Center, Marc Martí, explicó que para las próximas semanas se preparan proyecciones relacionadas con la exposición Luz de Carlos Saura en la que se pasarán películas del propio director aragonés y también cortos obras del expresionismo alemán incluídos en la muestra de Otto Preminger, Norman McLaren y otros, en los que el uso de la luz como herramienta expresiva es especialmente reseñable.

Al tiempo, el Film Center trabaja en la programación de selecciones realizadas por otras personalidades de la cultura. Esas proyecciones serán las que irán configurando la programación del cine del Niemeyer a lo largo de los próximos meses, a la espera de que arranque el programa estable, a partir de septiembre. “Preferimos dejar para después del verano el arranque de la actividad del centro”, indicó Martí.

A partir de dicho mes se proyectarán películas de estreno que no llegan al circuito comercial asturiano. Al tiempo, se prevé la celebración de sesiones matinales en domingo “para un público familiar” que se coordinarán con la celebración de talleres creativos de temática cinematográfica. En cuanto a los precios de las proyecciones, Martí avanzó que la entrada individual rondará los tres euros, y que se prevé la venta de abonos con los que cada sesión podría salir a un precio de en torno a un euro. “50 películas por 50 euros, por ejemplo”, explicó ayer.